Eugenio Ampudia - "Sostener el infinito con la palma de la mano"

"Sostener el infinito con la palma de la mano es el nombre que le da Eugenio Ampudia a esta exposición situada en la sala Alcalá número 31.

La exposición gira entorno a tres conceptos que se enredan entre sí: el tiempo, el juego, y dormir.

El recorrido empieza por una sala que parece imitar una biblioteca en la que aparecen muchos libros con palabras en sus lomos que parecen repetirse, llamando mucho la atención del espectador. Algunas de las palabras que se repiten son "speed" y "devastated art". Sobre los libros hay proyecciones de fuego simulando que las estanterías están siendo quemadas. Sin duda una obra que aviva el sentimiento crítico del espectador.

Otra obra, que en mi opinión fue la que más me llamó la atención, está ubicada en la sala central. Aparecen en el suelo una serie de relojes dando la sensación de laberinto por el que hay que cruzar dando la sensación de cruzar el espacio y el tiempo.

Con esto, llegamos a la última parte de la exposición. Toda esta parte gira en torno al tema de dormir.
Se pueden ver proyecciones de cómo Ampudia duerme en lugares destinados al arte como "El Museo del Prado". La sala tiene una música ambiente que captura tu atención por completo. También, dispersas por las salas, hay camas en las que la gente aprovechaba para tumbarse. Esta obra acerca al espectador a los lugares artísticos para identificarlos como un hogar en el que poder estar tranquilos y descansar.

En conclusión, esta exposición me ha parecido muy interesante y que desde luego es capaz de hacerte reflexionar. Me hubiera gustado tener más tiempo para visitarla ya que por temas personales no disponía de mucho más tiempo. También la exposición no iba a estar abierta mucho más tiempo así que fue la única oportunidad de visitarla que tuve. Y para colmo no disponía de suficiente batería en el teléfono como para poder sacar algunas fotografías de obras que me impactaron. Pero en general me encanto el momento y me encantaría visitar alguna exposición más de este gran artista.

Clase 14

En esta clase hemos continuado con las presentaciones acerca del light painting. Mi grupo y yo también hemos tenido que exponer sobre el tema que nos dieron en la clase anterior, la sensibilidad ISO. Nuestros compañeros nos han seguido explicando como realizar el light painting destacando autores como Tokihiro Sato y Man Ray.

Al final de la clase la profesora nos explico con mucho más detalle cómo ejecutar el light painting para la práctica que vamos a realizar en grupo la semana que viene.

Esta es la presentación que realizamos mi grupo y yo sobre la sensibilidad ISO:

Clase 13

Esta clase se ha centrado en el light painting, aunque la clase ha empezado con la profesora explicándonos los materiales de carga para el trabajo de texturas y frotagge.

Por grupos, se nos ha asignado un tema sobre el light painting. sobre ese tema teníamos que elaborar un PowerPoint que expondremos al final de la clase. A mi grupo nos ha tocado el tema sobre la sensibilidad ISO. Aunque teníamos mucha presión encima por el poco tiempo que nos habían dado y por el miedo a salir a exponer en frente de toda la clase, creo que nos ha salido muy bien y que hemos trabajado juntos de una manera muy efectiva.

Al final de la clase algunos grupos empezaron a exponer explicándonos que materiales usar para el light painting, que aplicaciones para el móvil pueden ayudarnos a conseguirlo, y sobre la profundidad de cambio. A nosotros no nos dio tiempo a exponer, así que terminaremos el ejercicio en la siguiente clase. Las presentaciones de mis compañeros estuvo bastante bien para tener un tiempo de preparación de 30 minutos.

Referencias Bibliográficas de esta clase:

• Los cornudos del viejo arte moderno, Salvador Dalí.

"Nosotros Robots"

El día 9 de Noviembre fui a visitar la exposición "Nosotros Robots" ubicada en el edificio telefónica en la calle Gran Vía.

La exposición gira en torno al tema de las creaciones cibernéticas desde el antigüedad y el siglo XX hasta el presente.

En la antigüedad destaca Leonardo Da Vinci que elaboró los primeros diseños de robots humanoides documentados. Su invento sobretodo destaca por el ingenio que aplica al problema de la energía. Como un robot necesita energía para realizar sus movimientos, Leonardo ideó utilizar fuentes de energía como el movimiento del agua o del aire.

También destaca George Devol que diseño el primer robot industrial programable.

Dentro del siglo XXI destaca Hiroshi Ishiguro que crea un robot geminoide a su imagen y semejanza.

Y por último en el año 2017, el robot Sophia que fue declarado como la primera ciudadana no humana.

En una parte de la exposición se explica los diferentes tipos de robots según su forma. Los tres tipos son: Androide, semejante a un hombre: Ginoide, semejante a una mujer y por último el Geminoide, semejante a una persona real concreta como en el caso de Hiroshi Ishiguro.

 También me pareció muy interesante la influencia de la cultura en este tema. Los países asiáticos han revolucionado muy rápidamente en el tema tecnológico dando una perspectiva de los robots siempre positiva. Esto se ve reflejado en todos los manga en los que el robot ayuda a los humanos a salvar el mundo. Por otro lado en occidente pasa completamente al contrario. Tenemos miedo a ese cambio tan dramático y eso se ve reflejado en la literatura en la que los robots acaban destruyendo la humanidad.

Clase 12

En esta clase hemos dado la luz y la sombra.

La luz en el arte es muy importante ya que sin ella lo visual no existiría.
La sombra es el efecto que se crea cuando no llega la luz.
Tanto la luz como la sombra son elementos claves para los artistas ya que pueden otorgar dimensión, volumen y profundidad a la pieza.
También la luz en el arte fue muy vinculada a lo sagrado y divino.
Hay dos tipos de iluminación y connotaciones: la primera es la iluminación artificial, típica de los artistas holandeses. La segunda; la iluminación artificial, que puede tener varias posiciones como rasante, cenital, lateral o frontal y continua o discontinua dependiendo de la duración. 
Algunos de los artistas que aplican luces y sombras a sus obras son: Claudio de Lorena, Simon Norfolk y Roman Vitali entre otros.

A continuación mis compañeros salieron a hacer una actividad en el que tenían que fotografiar un mismo objeto en diferentes iluminaciones. Como yo no asistí a clase por motivos personales no pude realizar la actividad y me es imposible adjuntar las fotografías.

Referencias Bibliográficas de esta clase: 

• El ojo y la sombra, Pedro Azara
• Izquierda y Derecha en el Cosmos, Martin Gardner

Clase 11

En esta clase hemos aprendido las texturas.
Hemos empezado hablando del frottage con artistas como Giuseppe Penone y Bárbara Freixas. Esta técnica consiste en poner el papel sobre una superficie con textura y frotar un lápiz contra la superficie para que esta se quede marcada en el papel.


Luego hemos continuado hablando de la técnica del relieve y de la materia de carga que podemos utilizar como el látex, el polvo de mármol de diferentes grosores, la piedra pómez, el aguaplast o incluso cristales entre otros.

A continuación la profesora nos puso el video de "pasodoble". Una performance de los artistas Miquel Barceló y Bruno Delbonnel. En el video aparecen destruyendo con sus manos y con herramientas dos paredes de barro.


Este es mi trabajo:

He decidido representar un paisaje marino en un atardecer.
La parte del mar está hecha con una tela mojada en cola y arrugada para que diera esa sensación de agua que se está moviendo.
El sol está hecho con frotagge de una cuerda con sanguina para que tuviera ese color rojizo.
Las nubes, también en relieve, están hechas con una pasta de acetato de polivinilo y harina para que quedara esa textura pomposa.
El color está aplicado con pintura acrílica y de manera que los colores quedaran aleatoriamente distribuidos por el lienzo sin preocuparme mucho sobre el realismo de la pieza.

Referencias Bibliográficas de esta clase:

• Elogio a la sombra, Tamizaki
• Notas de cocina, Leonardo Da Vinci 

Clase 10

Esta clase de Análisis de La Forma, La Luz y El Color ha tratado sobre el tema del Análisis Visual.

Lo que tenemos que saber los alumnos de bellas artes sobre las imágenes es: que hay que analizarlas para interpretarlas y saber si esconden significados falseados, que hay que construirlos y hay que contextualizarlas

La alfabetización visual es aprender a analizar imágenes ya que hoy en día nos comunicamos más de manera visual qué oral y tenemos que saber analizar esa información de manera emocional y racional.

El lenguaje visual precede a la imagen y este lenguaje es el código específico de la comunicación visual que tiene dos niveles: el nivel formal que lo componen el color la composición o la textura; y el nivel de significado.

Luego en clase hicimos una actividad en la que nos describieron una imagen con palabras para después dibujarla y así ver lo diferente que era entre la de todos los compañeros.

Hay cuatro tipos de imágenes según el grado de iconicidad con la realidad: el primer grado es la cinematografía, videos y fotografías; el segundo grado es una pintura un dibujo o una escultura; el tercero una caricatura y el cuarto una abstracción simbólica.

Podemos aplicar las imágenes de manera informativa, persuasiva, comunicativa, decorativa o poética.

Hay que analizar las imágenes de forma material, interpretativa y sentir las sensaciones que produce para preguntarnos el por qué.

          

Referencias Bibliográficas de esta clase:

• Ready Player One, Ernest Cline
• La Isla de Hidrógeno, Colectivo PSJM
• Un mundo feliz,  Aldous Huxley  

Doce fotógrafos- Museo Del Prado

Esta exposición fue creada por motivo del bicentenario del museo por La Fundación Amigos del Museo del Prado. Consiste en doce fotógrafos contemporáneos que son invitados al museo para que expongan obras entorno al significado histórico del museo y a las obras que se exponen.

Los doce fotógrafos que exponen en el museo son: José Manuel Ballester, Bleda y Rosa, Javier Campano, Joan Fontcuberta, Alberto García-Alix, Pierre Gonnord, Chema Madoz, Cristina de Middel, Isabel Muñoz, Aitor Ortiz, Pilar Pequeño, Javier Vallhonrat.

Las obras que más me han llamado la atención son:

Javier Campano: Salmonetes / Perdices.

Estas dos fotografías se tratan de unas impresiones sobre papel de algodón que representan dos bodegones inspirados en los de muchos artistas expuestos en el prado, dándonos el recuerdo de la cocina familiar de los recuerdos del artista.

Isabel Muñoz: San Hermenegildo / La Ascensión.

El material utilizado en estas fotografías es una fototipia sobre papel Gampi elaborado a mano.
Las dos fotografias estan capturadas debajo del agua a bailarines que en vez de dar la sensación de que se hunden tienen una sensación de ascensión en el vacío. El movimiento de la tela y sus posturas están inspirados en las figuras de santos que se representaban en el barroco.

Bleda y Rosa: Ribera del Elba / Colina de Albuch.

Se trata de una impresión sobre papel de algodón. Las fotografías capturan obras que están expuestas en el museo sobre la temática de la victoria bélica para encuadrarlas entre las puertas del propio museo. Los cuadros utilizados son "el retrato ecuestre de carlos V" de Tiziano y "retrato del cardenal-infante Fernando de Austria" de Rubens. Los títulos de las dos obras son del lugar donde se libró las batallas.

 Pilar Pequeño: Copa de agua y un clavel / Plato de estaño y ajos.

Las fotografías están impresas en papel de algodón. Está inspirado en bodegones de grandes artistas como Francisco de Zurbarán. Sus obras destacan por la relación que consigue que mantengan los objetos entre si y por la espectacular iluminación de las escenas.

¿Cuándo dejaste de dibujar? - Puño (Análisis de un libro)

¿CUÁNDO DEJASTE DE DIBUJAR?- Puño

1.- David Peña, o mas conocido por su seudónimo Puño, es un ilustrador madrileño, fotógrafo y profesor en la IED Madrid.
Tiene 37 años y lleva siendo ilustrador desde 1994 en el que se ha dedicado a ilustrar tanto libros narrativos, cuentos infantiles y anuncios publicitarios. Algunas de sus ilustraciones han sido la portada de libros que han sido publicados sobre grandes editoriales como Anaya y Ediciones SM.
También creo su propia editorial digital llamada Ediciones Peo.
Alguno de los libros que ha escrito han sido: ¡Ñam! (ediciones SM, 2009) o Monstruo Malacresta (Ediciones SM, 2013)

Puño ha sido otorgado con numerosos premios por la calidad que impregna en sus obras, entre los que destacan premios como El Premio Nacional de Ilustración Fundación SM en 2009 y el Primer Premio Creacomic CAM en 2009.
Desde el 2011hasta el presente, David Peña, imparte clases y talleres en los que los participantes aprenden a desarrollar su creatividad.
En su pagina web http://www.kokekoko.com/ , Puño sube todas sus obras y todas las clases que va a impartir.

2.- Datos editoriales:
ISBN:978-84-947372-6-8
DL: M-29754-2017
Impreso en España por Kadmos
De la presente edición, Editorial Mapas Colectivos.
Publicado en noviembre de 2017.

Este libro lo he adquirido en la librería de la Universidad Rey Juan Carlos en Fuenlabrada. Al mirar en la pagina web de la editorial y buscar las librerías en las que podía estar disponible, la pagina me redirigió a la pagina web de la librería de la Universidad a la que fui al día siguiente y pude comprar el libro en físico sin ningún problema.

3.- Este libro me llamo la atención por su titulo desde el primer momento. Es un titulo bastante intrigante ya que está formulado con una pregunta que te hace pensar. También me decidí por este libro al buscar el libro y
ver que era el discurso de un ilustrador en el evento internacional de diseño: MAD , ya que este tipo de libros me enganchan rápidamente a la lectura. Al leer después un breve resumen sobre el tema que trataba el libro quede muy intrigada por el asunto y después de eso decidí que ese era el libro que iba a elegir para mi trabajo.

4.- El libro empieza con un prologo escrito por Jaime Burque, psicólogo y editor de la revista Filmoterapia. Jaime empieza hablando de lo importante que es la creatividad y de todos los beneficios que esta conlleva.
Pero la creatividad ahora mismo tiene un problema y es que a día de hoy es mas importante el resultado que el propio proceso creativo. Relacionamos la creatividad con algo que too el mundo debe de tener pero que pocos tienen en su posesión, y quien lo tiene es un verdadero genio. Tal y como cita Jaime Burque en el libro “por eso a la gente le cuesta reconocer que es creativa, porque tendrían que demostrar las veinticuatro horas del día que son capaces de crear la capilla Sixtina con los ojos cerrados”. Y como conclusión de la introducción recalca que la creatividad es algo que todos tenemos no necesitamos de ninguna habilidad especial para poseerlo, pero que lo obstaculizamos debido a la presión.
Ya en el discurso de Puño, el ilustrador empieza a hablar de que no empezamos a dibujar, si no que dejamos de dibujar “para hacer cosas que nos ayudan a hacer otras cosas” tal y como dice en el libro. Cuando empezamos a dibujar no somos personas exigentes y criticas, simplemente dibujamos por gusto y placer sin importarnos composiciones colores o trazados, pero a medida que crecemos nos vamos volviendo seres exigentes que sentimos que nuestra creatividad no esta a la altura de otras obras dentro del mercado del arte. Durante todo el discurso,Puño hace referencia a dos ideas que aparecen durante todo el transcurso de la charla. El primer es el concepto del músculo de la creatividad que hay que ejercitar porque si no se atrofia y el segundo es la cocina y la caligrafía, disciplinas que vemos como un medio para lograr un fin el cual disfrutamos y no nos exigimos ningún nivel. “tampoco es necesario ser Ferrán Adriá para cocinar. Si vamos a freír un huevo o hacer una tortilla para un amigo no decimos:<<No, n cocino porque no voy a hacer un plato excelente>>.[...] Quizá debamos empezar a ver al dibujo como un medio” (David Peña,¿cuándo dejaste de dibujar?,2017).

También se centra en que no existe un talento en dibujar, “no existe algo llamado <<talento>>que de repente te diga como resolver un escorzo de un hombre en la posición del arquero como si lo supieras de
nacimiento” (David Peña,¿cuándo dejaste de dibujar?,2017) si no que este talento es intuición, es decir, es una cosa que sabemos que no sabemos que sabemos. Por eso hay un proceso de aprendizaje para dibujar, y este esta al alcance de cualquiera.
Otro aspecto en el que entra el autor es que el problema no es como dibujar si no que no sabemos por qué dibujar. Esto nos lo explica mediante metodologías inspiradas en otros autores como Lisa Hanawalt de la que Puño ha sacado sus propios consejos que quiere exponer al publico.
Estos consejos constan de 11 puntos que serán explicados mas detalladamente mas adelante en el trabajo.
El primer consejo es que tu vida es lo mismo que tu profesión, el segundo consejo que hay que adaptarse al mercado laboral y elegir un nicho profesional, el tercero que hay que ejercitar el músculo de la creatividad, el cuatro que no hay que quedarse en la zona de confort, el quinto que hay que oxigenar el cerebro, el sexto no hacer cosas gratis, el séptimo divertirse, el octavo ser constante, el noveno pensar mas, el décimo hacer siempre proyectos personales, y el ultimo y el undécimo, mostrarlo en internet.
A continuación menciona el hecho de los artistas que copian y como se debe copiar de verdad “Nosotros tenemos que ser labores de guante blanco” (David Peña,¿cuándo dejaste de dibujar?,2017). Y después nos da unos cuantos consejos sobre como ganar un concurso que incluye: participar y estudiar. Los premiados anteriores.
Por ultimo y como conclusión el autor da unos cuantos consejos a ilustradores y clientes como dar la suficiente información al ilustrador para que este pueda hacer bien el trabajo.

5.- Hay varios argumentos que el autor, David Peña, ha querido recalcar en este libro. Algunos de estos argumentos ya han sido muy brevemente explicados en el resumen anterior pero aquí me limitare a
explicarlos con mejor detallismo.
El primer argumento que nos encontramos en el libro no es el escrito por Puño, si no por el escritor del prologo,Jaime Burque, que expone como hemos dejado de ser creativos debido a la presión que nos metemos a nosotros mismos por intentar alcanzar una meta artística demasiado elevada. Cuando intentamos ser creativos en el ámbito artístico nos centramos en que el producto final sea comparable a los grandes
artistas en vez de el proceso creativo que hemos aplicado para llegar a un fin. Aquí también se incluye que la

creatividad no es algo de unos pocos, si no que todos somos capaces. Este argumento también lo empieza a exponer Puño en el comienzo de su discurso.
El segundo argumento que se expone, este estando fuera del prologo y ya expuesto por David Peña, son los once métodos que da para dibujar que voy a explicar mas a fondo no por uno.
El primer punto consiste en que tu vida es lo mismo que tu trabajo y que no puedes intentar ser una persona completamente diferente en tu ámbito laboral que en tu vida social, pero también hay que seguir una disciplina.
El segundo punto es que hay que adaptarse al mercado y elegir un nicho profesional. Hay que intentar adaptarse a la demanda e intentar entrar en el mercado laboral aunque no sea nuestro trabajo ideal, para ir marcando un camino en el panorama laboral. Tampoco hay que imponer un propio estilo y adaptarse a lo que se demanda en le mercado y a lo que demanda el propio cliente.
El tercer punto es ejercitar el músculo de la creatividad planteándose retos personales en el ámbito artístico.
El cuarto es no quedarse en la zona de confort porque así es como no se crece artísticamente. Hay que coger algo que se te de ma dibujar y dibujarlo hasta que te salga perfectamente.
El quinto punto es oxigenar el cerebro para no caer en un bloqueo de ideas.
El sexto a no hacer las cosas gratis. No se refiere a pedir siempre un fondo monetario si no alguna recompensa a cambio de un trabajo. Algún beneficio ala hora de entrar a algún bar o restaurante o cualquier mínimo detalle que recompense tu trabajo artístico.
El séptimo es divertirse haciendo el trabajo porque aparte de salir mucho mejor y poder emplear mucha mas creatividad, el trabajo va a merecer la pena. Si es un trabajo encargado que tiene que ser de un estilo determinado, intentar jugar con los colores o con toques divertidos que te hagan disfrutar de la creación de la obra.

El octavo es ser constante. Las redes sociales son plataformas muy abiertas que llegan a prácticamente millones de personas al rededor del mundo. Aunque tu trabajo al principio no se extienda, con constancia ira moviéndose por los usuarios hasta que llegue a gente que le guste tu trabajo.
El noveno punto es pensar mas. Porque no necesitar materiales carísimos ni unos grandes estudios para hacer cosas grandes, simplemente necesitas pensar mas las ideas.
El décimo es hacer siempre proyectos personales porque si solo haces trabajos que te demandan y que no son tus propias ideas, te acabas cansando.
Y el ultimo consejo es mostrar las obras en internet porque ahora internet es un arma muy poderosa que puede llegar a mucha gente.
Otro argumento muy interesante que toca puño en su discurso es el tema de copiar. Puño opina que hay que copiar con estilo, ir cogiendo referencias de diferentes artistas y montar un collage con todos estos detalles de cada artista que te gusta, pero lo que no se puede hacer es copiar lo que todo el mundo esta copiando porque al final todos acaban haciendo mismo. También hace hincapié en que no hay nada nuevo. Todas las ideas que tengas seguramente ya las ha tenido alguien antes y se la estes copiando.

6.- Ha habido un punto fuerte en concreto del libro que me ha llamado especialmente la atención. Todos podemos dibujar, desde pequeños lo hacemos, pero llega un punto en nuestra vida en que nos convertimos
en individuos críticos con nosotros mismos que comparan su técnica artística con la de los demás y eso nos hace sentimos frustrados pensando que no sabemos hacerlo, por eso apartamos el dibujo de nuestra vida. No hay que ser un profesional en el dibujo para poder emplear la creatividad en este ámbito, de hecho nadie nace siendo un profesional. Todos los artistas en el mercado del arte a los que se los considera profesionales no han nacido sabiendo dibujar perfectos contrapostos, o el ejemplo que pone puño “escorzos”. Esos artistas profesionales con los que comparamos nuestros dibujos son gente que ha tenido que ser muy constante y dibujar día si y día también hasta que ha ido adquiriendo una técnica. Ha tenido que buscar solución a sus problemas mediante la repetición del dibujo hasta casi llegar a una obra que para el publico se considere buena. Pero al fin y al cabo lo que menos nos debería de importar es como queda la obra estéticamente. Lo que de verdad debería importar es el proceso creativo que emplea el artista para llegar a ese resultado, todo lo que ha pensado para que las cosas se vean tal y como las vemos al final del proceso.

7.- El único punto que puedo debatirle al autor es en el tema de copiar. Es verdad que al hacer una obra no puedes literalmente coger la obra de otra persona, calcarla y hacerla tuya completamente y tampoco puedes

copiar el estilo de un persona que ha copiado el estilo de otra y así sucesivamente cayendo en la cadena a la que se refiere puño. Pero yo creo que copiar para aprender es un buen método. Un ejemplo es que si tu no sabes dibujar manos, copies manos de diversos estilos y artistas hasta que sepas perfectamente dibujar una mano en cualquier posición posible y hasta que tu encuentres tu propia soluciona tu problema.

8.- Considero que el discurso de Puño es bastante completo por eso en mi opinión no debería de añadirse nada o tratar de otros temas. Me parece que en la situación en la que esta, que es un discurso, Puño toca
todos los temas necesarios que debe transmitir, sin alargarlos demasiado para cansar al publico y tampoco demasiado cortos para que no se entiendan. También mete toques de humor que le dan mucho dinamismo a su discurso.

9.- Otros libros que puedo recomendar relacionadas con esta rama del conocimiento son libros como: El camino del artista, Julia Cameron(2011) Estética de la creatividad, Alfonso Lopez quintas (1998) y piensa

un artista, Will Gompertz(2015).

10.- En conclusión, he disfrutado mucho de este libro. Me ha parecido un libro de lectura muy llevadera que toca un tema muy interesante y que realmente me ha hecho reflexionar. Desde luego se lo recomendaría a
mucha gente, tanto artistas como gente que no es artista para ayudara a abrir la mente y desde luego recomendaría visitar las ilustraciones de Puño porque son obras realmente buenas.

Galerías Doctor Fourquet

En la calle Doctor Fourquet de Madrid están localizadas varias pequeñas galerías que exponen el arte de artistas contemporáneos. La calle está estratégicamente colocada al lado del Museo Reina Sofía atrayendo a muchísimos artistas jóvenes.
Cada galería está impregnada de la esencia de un artista con su propio estilo único.
No pude visitar todas las galerías porque algunas estaban cerradas ya que era un viernes por la tarde.

La primera galería que visitamos me dio la sensación de naturaleza desde el primer momento que entre. Las paredes estaban decoradas con cuadros que parecen fotografías de árboles o piedras con pequeños hierbajos. En la siguiente sala me llamó la atención unas planchas de sal que me recordaron al oleaje. y en la última sala una proyección sobre un pared blanca de lo que parecía el movimiento del agua.

La siguiente galería que visitamos constaba de cuadros sobre hojas e insectos con cuadrados de colores vivos encima como si se tratara de una veladura. 

La siguiente galería que visitamos fue la que más me llamó la atención. Se trata de una galería llena de jarrones y objetos con formas extrañas. Los colores predominantes eran el blanco el rojo y el azul. de aquí me llamó la atención dos cuadros. el primero con una mujer que tenía cortadas varias extremidades donde se encuentran jarrones y el siguiente en la planta de abajo donde hay un cuadro restaurado y que lo han vuelto a pintar por encima.

La galería que visitamos a continuación estaba rodeada en torno al tema del huevo. Toda la galería estaba llena de colores calurosos como amarillos y ocres. Todas las obras tenían como materiales objetos cotidianos como las telas.

La siguiente galería me pareció muy llamativa porque el artista imita a la perfección la textura de la piedra. sus obras parecen mármol pulido a la perfección recreando formas de arcos y columnas.

Y la última galería que giraba entorno al tema grotesco. Las figuras de las obras eran muy llamativas con formas y texturas extrañas. Apareciendo tanto objetos cotidianos como personajes muy extraños rozando lo grotesco.